Crítica de la película "Grandes esperanzas"

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Grandes esperanzas
Great Expectations
EE.UU., Reino Unido | 128 min. | Drama romántico

Dirección: Mike Newell
Intérpretes: Jeremy Irvine, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane, Jason Flemyng, Sally Hawkins, Ewen Bremner

Público apropiado: Jóvenes
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 1, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0

El desdichado huérfano Pip vive con su tiránica hermana mayor y su bondadoso cuñado herrero Joe. Cuando está en el cementerio ante la tumba de su madre irrumpe en la escena Magwitch, un preso fugado de aspecto amenazador que le pide algo de comer y una lima para romper sus cadenas. Asustado, pero también compadecido, le ayudará, aunque eso no impide que acabe detenido. En el futuro poco prometedor de Pip se abre una rendija a la esperanza cuando la excéntrica y amargada miss Havisham, encerrada siempre en su enorme mansión, le reclama a modo de entretenimiento, y le pide que juegue con su protegida Estella, una altiva chica de su edad, de la que se enamora. El contraste entre sus modales y educación y los de ella empujan a Pip a esforzarse por convertirse en un caballero.

Cuidada adaptación de “Grandes esperanzas” de Charles Dickens, filmada en el año en que se cumple el bicentenario del escritor, y que ya había conocido potentes versiones cinematográficas, la mejor sin duda la firmada por David Lean, "Cadenas rotas". Sorprende el enfoque realista que imprime a la historia Mike Newell, el director de "Cuatro bodas y un funeral" está lejos del tono de "Harry Potter y el cáliz de fuego", y más cerca del cuento que filmó en 1992 con el título "Escapada al sur". A la vez, su acercamiento en el diseño de producción y tratamiento visual no cae en los excesos de "Cumbres borrascosas (Wuthering Heights)" de Andrea Arnold, cuya estética sucia producía casi inevitablemente rechazo.

El guión firmado por David Nicholls atrapa muy bien la idea que encierra el título original “Great Expectations”, de la que sería una traducción más exacta que la habitual la de “Grandes expectativas”, pues el film habla de eso precisamente, de las expectativas de los personajes, a veces ambiciones de corto vuelo -la de Pip de alcanzar una posición social, la de ayudarle que tiene su misterioso benefactor, la de la mujer recluida en su casa y que se proyecta en su protegidas...- que impiden ver el amor que están recibiendo y que podrían prodigar a los demás.

Y sin embargo... la película no es redonda. Pese a la ambientación, pese a unos grandísimos actores -tanto los más conocidos, Ralph Fiennes, Robbie Coltrane y Helena Bonham Carter, como los emergentes Jeremy Irvine o Jason Flemyng, están muy bien...-, algo falla en el último tramo de la narración, donde los datos se embarullan y entregan de modo algo confuso y precipitado. Lo que no quita para que estemos ante una dignísima versión del clásico dickensiano que ayuda a que mantengamos “grandes esperanzas”.

Crítica de la película "Los últimos días"

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Los últimos días 
Los últimos días
España | 110 min. | Ciencia ficción. Drama.

Dirección: Álex y David Pastor
Intérpretes: Quim Gutiérrez, José Coronado, Marta Etura, Leticia Dolera, Mikel Iglesias, Momo Ballesteros, Isak Férriz

Público apropiado: Jóvenes-adultos
Contenidos: Acción: 2, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 1, Violencia 1

Los barceloneses David y Àlex Pastor debutaron en el largometraje con Infectados, producción estadounidense de Paramount sobre un virus que devastaba a la humanidad. También se adscribe al género apocalíptico su segundo trabajo, Los últimos días, esta vez bajo bandera de su propio país, y rodada en español, que parte de un guión de los propios hermanos.

Los últimos días parte del supuesto de que por razones inexplicadas los seres humanos han adquirido una variedad extrema de agorafobia que les impide abandonar los espacios cerrados. El que lo intenta muere por un ataque de pánico. Marc, un informático que sobrevive encerrado con sus compañeros de trabajo en su propia oficina, se aventura por el metro y las alcantarillas, pobladas de vagabundos desesperanzados, para buscar a su novia con ayuda de Enrique, su antiguo superior, que cuenta con un GPS, lo que se ha convertido en una preciada posesión.

Se le pueden sacar defectos, sobre todo su extremada falta de originalidad, pues desarrolla en clave de thriller la misma idea de El ángel exterminador, mientras que las diferentes secuencias homenajean progresivamente a títulos como Soy leyenda, Hijos de los hombres, The Road (La carretera), Mad Max, más allá de la Cúpula del Trueno y hasta aparece de buenas a primeras un oso que trae a la memoria la serie Perdidos. También algunos segmentos (sobre todo el encuentro fortuito con el personaje de Leticia Dolera) resultan excesivamente efectistas y sus dos horas de metraje se hacen innecesarias.

Pero Los últimos días acierta al apuntarse al camino que más alegrías puede dar al cine español, el de las producciones de género de calidad con la vista puesta en el mercado, al estilo –salvando las distancias– de las películas de Juan Antonio Bayona. Técnicamente impecable en todos sus aspectos, cuenta con una lograda y sugerente ambientación de una Barcelona devastada que evidencia un buen uso de los efectos digitales y un presupuesto ajustado. Incluye alguna secuencia de acción, no especialmente memorable, pero con un nivel impensable en la mayoría del cine español hasta el momento.

Encabezan el reparto de Los últimos días los expresivos Quim Gutiérrez, José Coronado y Marta Etura –con una presencia menor–, que se han trabajado a fondo a sus personajes. Además, tiene un toque esperanzador y reflexiona de forma positiva sobre la necesidad de afrontar los miedos personales.

Crítica de la película "La soledad de los números primos"

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La soledad de los números primos 
La solitudine dei numeri primi
Italia | 118 min. | Drama. Thriller

Dirección: Saverio Constanzo
Intérpretes: Alba Rohrwacher, Luca Marinelli, Martina Albano, Arianna Nastro, Tommaso Neri, Vittorio Lomartire, Isabella Rossellini
Público apropiado: Adultos
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 1, Violencia 1

La soledad de los números primos adapta la novela homónima, todo un fenómeno internacional, sobre todo en Italia. Supuso la ópera prima del físico teórico Paolo Giordano, que desarrolla la curiosa amistad y atracción entre dos personajes asociales, que se compara con dos números primos gemelos, como el 5 y el 7, cercanos pero separados.

Mattia, muy tocado por un incidente traumático de la infancia, es un estudiante con gran potencial para las matemáticas que sin embargo tiene poca capacidad para relacionarse en sociedad. En una fiesta conoce a Alice, una marginada que no puede andar con normalidad por algo que le ocurrió cuando era niña.

En pantalla, La soledad de los números primos carece de la capacidad de emocionar del libro original. A pesar de que el propio Giordano aparece acreditado como guionista, con Saverio Costanzo, también director, la adaptación traiciona por completo al original al cambiar el tono dramático por otro más propio del thriller y el giallo italiano. Por momentos se acerca al cine de terror, pues tiene secuencias que recuerdan a Carrie –el acoso a la protagonista en los vestuarios y en un baile– y al cine de Dario Argento.

El film juega al suspense con elementos –lo ocurrido en la niñez de los protagonistas– que en la novela se relatan en las primeras páginas. Gracias a esto, el primer segmento de La soledad de los números primos se sigue con cierto interés e intriga. Pero el tramo final, en torno al reencuentro tras un tiempo sin verse de los personajes centrales desinteresa por completo al espectador, pues carece por completo de fuerza, como si ya no hubiera más que contar. Alba Rohrwacher y Luca Marinelli interpretan con convicción, aunque no acaban de darle humanidad a sus 'raritos' personajes. El reparto incluye a la veterana Isabella Rossellini, un tanto sobreactuada.

Crítica de la película "G.I. Joe: La venganza"

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G.I. Joe: La Venganza
G.I. Joe: Retaliation
EE.UU. | 110 min. | Acción

Dirección: John M. Chu
Intérpretes: Dwayne Johnson, Adrianne Palicki, Ray Stevenson, Jonathan Pryce, Ray Park, Elodie Yung, Lee Byung-hun
Público apropiado: Jóvenes
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 4, Amor 0, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1

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Los G.I. Joe sufren una escabechina en una terrible emboscada, cuando andaban desarmando unas ojivas nucleares. La culpa es de un impostor que ha suplantado al presidente de los Estados Unidos, que se encuentra secuestrado. Los tres supervivientes conectarán con el esquivo Snake Eyes, y con un antiguo coronel retirado, para salvar al mundo mundial, que podría correr directo hacia su destrucción por culpa del archienemigo Cobra y secuaces como Zartan.

Secuela de G.I. Joe, donde la trama es casi lo de menos, aunque ésta ofrece un momento desopilante y digno de mención, con todos los mandatarios mundiales jugando con los botoncitos de sus maletines nucleares. De modo que lo que ofrece G.I. Joe: La venganza consiste sobre todo en un puñado de momentos adrenalíticos, servidos por los musculosos protagonistas, hay que olvidar los diálogos, que no se acercan ni a graciosos.

Dentro de los pasajes de acción, aparte de las coreografías de peleas de rigor, al más puro estilo oriental y bailarín –no en balde dirige la función John M. Chu, responsable de Street Dance y Step Up 3D–, destaca la escena en un inmenso paredón montañoso, muy vistosa aunque también muy de videojuego.

Crítica de la película "Los Croods"

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Los Croods
The Croods
EE.UU. | 98 min. | Animación

Dirección: Kirk De Micco, Chris Sanders

Público apropiado: Todos
Contenidos: Acción: 3, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0


Los Croods son una familia de cavernícolas que viven en la época prehistórica. El padre de familia es Grug y todos obedecen sus órdenes: su esposa Ugga , sus hijos Eep y Thunk, y su suegra Gran. Grug está obsesionado con la seguridad y para él lo más importante es resguardarse en su cueva. La vida de los Croods es muy monótona: conseguir comida, huir de los depredadores y ocultarse en su cueva en cuanto se pone el sol. Pero Grug tiene un problema con su hija Eep, una adolescente inquieta que quiere descubrir cosas nuevas y se siente aprisionada con la vida que lleva. Fascinada por la luz y nada temerosa de la oscuridad decide una noche escapar de la cueva y perseguir un extraño resplandor. La luz procede de la antorcha que lleva un simpático joven…

Estupenda película de animación elaborada por la factoría DreamWorks y que sobrevuela muy alto en cuanto a calidad de producción y solidez del guión. Los cineastas Kirk De Micco (Space Chimps: Misión espacial) y Chris Sanders (Cómo entrenar a tu dragón) salen muy bien parada en su doble labor como guionistas y directores y regalan una soberbia película que embelesará a los más pequeños y hará disfrutar también a los adultos. La clave está en una historia atractiva y con cierto meollo, y en una óptima definición de personajes, todos ellos bastante entrañables. Destacan especialmente la intrépida Eep –cuya independencia y arrojo recuerda bastante a otra pelírroja animada, Mérida, protagonista de Brave– y su padre Ugg, un grandullón que huye de las novedades y no destaca precisamente por su capacidad de raciocinio. Temas como el amor a la libertad, los peligros de la sobreprotección, la importancia de ir forjando el propio futuro o la unión familiar van cogiendo forma conforme avanza la historia, la cual ofrece un marco excelente para conocer también algunos hitos en la historia de la humanidad, como el descubrimiento del fuego, la domesticación de animales o la creación de pinturas rupestres.

Capítulo aparte merece el aspecto visual del film, de todos puntos excelente. El colorido de las imágenes es apabullante y la imaginería paisajística desbordante, incluida también la invención de unos cuantos animales muy variopintos, como la ballena con patas o los pájaros caníbales. Sobresale además el inmejorable ritmo de la acción, con momentos llenos de trepidación, y por supuesto no faltan gags muy graciosos (sirva de muestra su modo de hacer fotografías) y momentos para el amor y la generosidad.

Crítica de la película "La cocinera del presidente"

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La cocinera del presidente
Les saveurs du Palais 
Francia | 95 min. | Biográfico. Comedia

Dirección: Christian Vincent
Intérpretes: Sylvester Stallone, Sung Kang, Jason Momoa, Sarah Shahi, Christian Slatr, Brian Van HoltCatherine Frot, Jean d'Ormesson, Hippolyte Girardot, Arthur Dupont, Arly Jover, Brice Fournier

Público apropiado: Jóvenes-adultos
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 0, Amor 1, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0

Comedia ligera a la medida de Catherine Frot, actriz de títulos como Odette, una comedia sobre la felicidad o La cena de los idiotas, que tiene un gran prestigio en el teatro francés. El guión de La cocinera del presidente se inspira libremente en la historia real de Danièle Delpeuch, que fue durante un tiempo cocinera privada de François Mitterrand.

En La cocinera del presidente, Catherine Frot interpreta a Hortense Laborie, que organiza las comidas de una base científica en la Antártida. Años antes, entró a trabajar en el Palacio del Elíseo, como cocinera personal del presidente y de sus invitados más íntimos en cenas privadas. Laborie, que no tenía formación culinaria pero había aprendido desde pequeña observando a su abuela y a su madre, se esforzaba por preparar recetas relativamente sencillas rememorando los platos que más gustaban a su familia, a pesar de que apenas podía adivinar si estaba cumpliendo bien su trabajo, ya que su contacto con el mandatario era mínimo. Su abnegada dedicación desató algún caso de celos.

Su reivindicación de la cocina tradicional recuerda lejanamente a Ratatouille, el film animado de Pixar. Por lo demás, La cocinera del presidente entretiene y tiene un tono amable. Como era de esperar, Catherine Frot le saca mucha tajada a la protagonista, expresando un mundo de sentimientos a pesar de que no pasa por grandes conflictos dramáticos. Su personaje está sobre todo sugerido, pero se sabe algo de él, lo que no se puede decir del resto de los que están a su alrededor. Por lo demás, el veterano realizador Christian Vincent (La discreta) cumple su cometido, pero quizás le falta intentar volar un poco más alto.

Critica de la película "Por la cara"

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Por la cara
Identity Thief
EE.UU. | 111 min. | Comedia

Dirección: Seth Gordon
Intérpretes: Jason Bateman, Melissa McCarthy, Amanda Peet, Genesis Rodriguez, Morris Chestnut, John Cho

Público apropiado: Jóvenes-adultos
Contenidos: Acción: 2, Amor 1, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0

Sandy Patterson tiene una vida genial: un buen trabajo, dos hijas preciosas y una esposa que le quiere y que está esperando otro hijo. Pero debido a sus necesidades económicas decide abandonar su empleo para ocupar la vicepresidencia en una nueva empresa de reciente creación. Sin embargo, de un día para otro ve cómo todas sus expectativas se van al garete. La causa es una delincuente que ha usurpado su identidad y falsificado sus tarjetas, de modo que ha dilapidado todos sus ahorros. Para mayores problemas la policía de su ciudad, Denver, le explica que no puede hacer nada contra alguien que opera en Florida, así que la única solución de Sandy es encontrar a esa mujer y llevarla a Denver en el plazo de una semana. Sólo de esa manera podrá recuperar su vida.

Banal entretenimiento cuya mejor baza es su fondo de buenos sentimientos bajo una cáscara gamberra y malhablada en la línea de las desinhibidas comedias estadounidenses del tercer milenio. La historia, elaborada por Craig Mazin (responsable de los guiones de Resacón 2, ¡ahora en Tailandia! y de varias secuelas de Scary Movie), sigue las pautas de este tipo de filmes en donde se deja de lado la verosimilitud para dar lugar a una descacharrante trama a razón de un gag por minuto. La novedad de Por la cara es que se trata de una “road movie” con bastantes elementos de acción, aunque sea tontorrona. Detrás de las cámaras se sitúa el director de Cómo acabar con tu jefe, Seth Gordon, quien ha contado con el mismo actor como protagonista, Jason Bateman, y que se muestra capaz mantener un ritmo más o menos llevadero a lo largo del metraje.

Pese a que acumula situaciones escabrosas y conversaciones de camionero, en general el director evita pasarse de la raya en la escala de la grosería, y ofrece momentos más o menos divertidos, siempre apoyados en la actriz Melissa McCarthy, que ha alcanzado una enorme popularidad desde su papel de Megan en La boda de mi mejor amiga, por la que fue nominada al Oscar. Lo malo es que la actriz se ha encasillado así en un perpetuo papel de bruta alocada y grosera, sin muchas luces pero con buen corazón. Entre el reparto, donde se descuidan bastante los personajes secundarios, es de señalar la presencia de Amanda Peet, aunque lamentablemente no cuente con demasiados minutos en pantalla.

Crítica de la película "Una bala en la cabeza"

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Una bala en la cabeza 
Bullet To the Head
EE.UU. | 91 min. | Acción. Cómic. Thriller

Dirección: Walter Hill
Intérpretes: Sylvester Stallone, Sung Kang, Jason Momoa, Sarah Shahi, Christian Slatr, Brian Van Holt

Público apropiado: Adultos
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 3, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 1, Sexo 2, Violencia 2

Tras una década sin dirigir, desde Invicto, el veterano Walter Hill adapta la novela gráfica "Du plomb dans la tête", de Alexis Nolent y Colin Wilson. Queda para el recuerdo que Thomas Jane, que iba a acompañar a Sylvester Stallone en este film, finalmente fue despedido por ser blanco, para sustituirle por un oriental (Sung Kang).
En Una bala en la cabeza, Stallone interpreta a Jimmy Bobo, un asesino a sueldo que intenta vengarse de Keegan, cabecilla de una siniestra organización que ha corrompido a las altas esferas y a los agentes de la ley. Para llegar hasta él, tendrá que formar tándem con Taylor Kwon, peculiar policía adicto a los móviles, no muy acostumbrado a los brutales métodos de Bobo.

Casi septuagenario, Walter Hill demuestra que sigue capacitado para rodar potentes imágenes y lograr un ritmo endiablado. Una bala en la cabeza viene a ser en el fondo una repetición del esquema de su mayor éxito, Límite: 48 horas, pero con un cambio de roles, ya que aquí el blanco duro es el delincuente (Stallone) y el más cómico es el policía (Sung Kang). La conjugación de 'bromitas' con secuencias de acción también recuerda al film que tenía como protagonistas a Nick Nolte y Eddie Murphy. Ya era violenta y subida de tono aquélla para su época, y ésta va por la misma línea.
 
Una bala en la cabeza funciona como entretenimiento ligero. Sylvester Stallone y Sung Kang (La jungla 4.0) cumplen con papeles a su medida. Además, tienen frente a sí a un antagonista experto en encarnar a brutotes, Jason Momoa, mientras que el desaparecido Christian Slater interpreta con convicción a un secundario casi episódico.

Crítica de la película "The Host (La huésped)"

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The Host (La huésped)
The Host
EE.UU. | 125 min. | Ciencia ficción. Romántico

Dirección: Andrew Niccol
Intérpretes: Saoirse Ronan, Diane Kruger, William Hurt, Max Irons, Jake Abel, Frances Fisher, Chandler Canterbury

Público apropiado: Jóvenes
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 1, Violencia 1

Adaptación de la novela homónima de Stephenie Meyer, escrita en 2008, justo después de concluir la saga de Crepúsculo, que había convertido a la autora en un fenómeno mundial. The Host (La huésped) se anunció como el principio de una trilogía –aunque hasta el momento no hayan aparecido las continuaciones literarias– y mantiene algunos elementos de la serie vampírica, pues por mucho que se vendiera como su primera novela adulta, también se dirige a adolescentes. De la misma forma, se inscribe en el género fantástico, aunque prima el romanticismo. La propia Meyer ejerce como productora del film, que ha dirigido Andrew Niccol, responsable de Gattaca, la película de ciencia ficción favorita de la autora.

En The Host (La huésped), la Tierra ha sido colonizada por alienígenas cuyas almas se instalan en el cuerpo de los humanos. Quedan pocos que hayan conseguido escapar, como la jovencísima Melanie Stryder, capaz de cualquier sacrificio para proteger a su hermano, Jamie, y a Jareb, su novio. Cuando es capturada por el enemigo, le inoculan a una de las criaturas extraterrestres que toma el control de su cuerpo. Sin embargo, algo queda de la consciencia de la testaruda Melanie...

The Host (La huésped) tenía una difícil adaptación al cine, pues gran parte de la trama se desarrolla en el interior de la mente de la protagonista, donde Melanie se enfrenta con la alienígena que la posee. Andrew Niccol resuelve la papeleta con una omnipresente voz en off, que al principio resulta un tanto chocante, pero que funciona gracias a la sugerente y aséptica ambientación creada por el realizador y a la excepcional interpretación de la joven Saoirse Ronan.

Varias secuencias melosas dejan clara la mano de Meyer, así como el culebrón amoroso que se genera cuando las dos ocupantes del mismo cuerpo descubren que se han enamorado de chicos diferentes. Pero en general, Andrew Niccol, que ha escrito el guión adaptado, parece haber gozado de cierta libertad operativa, pues consigue ser fiel a su filmografía. Así, evita claramente la espectacularidad y las exhibiciones de efectos especiales que podrían distraer al público de la historia y de las reflexiones sobre la naturaleza imperfecta del ser humano, el pacifismo y la importancia de la espiritualidad en el amor (esto último muy en la línea de la historia de Bella y Edward).  Sorprende lo poco que necesita el cineasta (algún coche raro, los ojos luminosos de los poseídos, etc.) para que el público acepte que está viendo ciencia ficción.

The Host (La huésped) pivota en torno a los trabajos de la citada Saoirse Ronan, Diane Kruger (una creíble buscadora que persigue a los humanos que aún quedan) y el veterano William Hurt (el excéntrico tío de la protagonista). Los jovencísimos Max Irons y Jake Abel se esfuerzan pero acaban siendo un tanto insulsos.

Crítica de la película "Érase una vez en Anatolia"

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Érase una vez en Anatolia
Bir zamanlar Anadolu'da
Turquía | 150 min. | Drama policíaco

Dirección: Nuri Bilge Ceylan
Intérpretes: Yilmaz Erdogan, Taner Birsel, Ahmet Mumzat Taylan, Muhammet Uzuner

Público apropiado: Jóvenes-adultos
Contenidos [de 0 a 4]: Acción: 0, Amor 1, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1

De noche en el pelado paisaje de Anatolia, en Turquía. Tres automóviles. A bordo dos asesinos, que guían a policías, soldados, operarios, el forense y el fiscal, al punto donde enterraron el cadáver de su víctima. Pero en la oscuridad todos los lugares parecen iguales. Las horas pasan, las conversaciones se prolongan, hay cansancio acumulado, no sólo por la falta de sueño, sino también por una vida donde no resulta fácil el acceso a la verdad, en que las penas y decepciones no faltan. Aunque un rayo de luz, o un ángel, pueda momentáneamente iluminar el camino.

No es fácil reseñar con plena justicia una película del turco Nuri Bilge Ceylan, autor de filmes tan potentes como la inolvidable Lejano. En sus películas, difíciles para el espectador impaciente, el “tempo” resulta fundamental, no hay prisas, se puede (y se debe) sostener un plano el tiempo que haga falta, ver unos automóviles serpenteando por un camino, escuchar en off las conversaciones de sus ocupantes. Su formación como fotógrafo concede al cineasta un sentido de la composición y un empaque visual a la narración sencillamente apabullantes. El Premio del Jurado que ganó Érase una vez en Anatolia en Cannes resulta más que merecido.

Gustará más o menos, pero Érase una vez en Anatolia es justamente la película que pretende Ceylan. Con meticulosidad extrema pero nunca cansina, somos testigos de un trabajo desagradable, el levantamiento de un cadáver y su autopsia, tratados de modo casi documental. E imbricado con ello, a modo de singular cuento o fábula, “érase una vez...”, tenemos ante nuestros ojos, leve pero poderosamente esbozados, una serie de personajes sufrientes, que en un tiempo amaron, y ahora su corazón es un mar agitado de aguas turbulentas, a los que cuesta encontrar la deseada paz. Ceylan demuestra ser un profundo conocedor de la naturaleza humana, y con triste mirada, que no desesperanzada, muestra sus miserias y cómo nos afectan.

Crítica de la película "Spring Breakers"

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Spring Breakers
Spring Breakers
EE.UU. | 94 min. | Thriller, Drama

Dirección: Harmony Korine
Intérpretes: Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson, James Franco, Rachel Korine, Heather Morris

Público apropiado: Adultos
Contenidos: Acción: 2, Amor 0, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 2, Violencia 2

Cuatro chicas, compañeras de la universidad, han ahorrado dinero para pasar unas divertidas vacaciones de primavera en Florida. Están hartas de la monotonía y sueñan con otra vida. Como el dinero no les da para mucho tres de ellas deciden robar en una cafetería para conseguir la cantidad suficiente y desaparecer. Llegarán así al soñado viaje que resultará concretarse en una gran orgía playera de alcohol, sexo y otras drogas.
 

Desenfrenada película que echa mano de el tirón de dos antiguas chicas Disney, Vanessa Hudgens y Selena Gomez, para atraer al público joven e introducirle en una historia violenta y psicodélica. Está claro que las dos actrices desean desembarazarse de su rol de niñas buenas y se descuelgan con un excesivo film muy subido de tono, procaz en los diálogos y exacerbado también visualmente, que cuenta la historia inverosímil de la huida hacia adelante de unas jóvenes descerebradas que sólo buscan tener experiencias límite. El sexo, las drogas y el alcohol se convertirán en la sal de todos sus platos durante todos los días y todas las noches. Así hasta que la violencia entra también en el juego gracias a la intervención de un criminal con más vueltas que un vestido de Lola Flores. Desde luego la interpretación de James Franco es la de un psicópata alucinado y grotesco, absolutamente pasado de rosca.

Dirige esta locura Harmony Korine (1973) –guionista de Kids y Ken Park, ahí es nada...–, quien en su clara búsqueda de extralimitarse elige una puesta en escena videoclipera con numerosas escenas repetidas, ralentizadas, montaje intemporal y a menudo usando película con grano y una fotografía oscura llena de colores saturados. La atmósfera es psicodélica y provocativa, con gran fijación por exhibir morbosamente los pechos femeninos. Desde todos los puntos de vista el resultado es desequilibrado y de escaso interés.

Crítica de la película "Jack el Caza Gigantes"

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Jack el Caza Gigantes
Jack the Giant Slayer
EE.UU. | 114 min | Aventuras. Fantástico

Dirección: Bryan Singer

Interpretes: Nicholas Hoult, Eleanor Tomlinson, Ewan McGregor, Stanley Tucci

Público apropiado: Todos-jóvenes

Contenidos [de 0 a 4]: Acción 3, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 1, Sexo 0, Violencia 1

 

En pleno aluvión de revisiones libres de cuentos clásicos se apunta al carro Bryan Singer. El reputado realizador adapta la narración tradicional –erróneamente atribuida a Hans Christian Andersen– "Las habichuelas mágicas", hasta ahora aprovechada sobre todo por el cine de animación, pues ha dado lugar a títulos como Mickey y las judías mágicas y El gato con botas, donde el protagonista no era Jack (casi siempre Juanito en la versión española) sino el felino surgido de la saga de Shrek, de DreamWorks.

El protagonista de Jack el Caza Gigantes, un joven huérfano, recibe un encargo en principio sencillo de su tío, que le ha criado en su granja. Debe ir a la gran ciudad para vender un caballo y una carreta, pero tras un encuentro fortuito con Isabelle, la rebelde heredera del trono, Jack acaba dándole el equino a un monje en fuga que necesita una montura. Éste le da en prenda unas judías mágicas que nunca debe mojar...

Singer demuestra nuevamente que vale igual para un roto que un descosido, pues tras triunfar en el terreno del thriller (Sospechosos habituales, Valkiria) y los superhéroes (X-Men) firma un film de aventuras. En principio va destinado al público familiar, si bien algunos pasajes tienen una ambientación moderadamente oscura, influida por la saga de El Señor de los Anillos, de Peter Jackson, que lo aleja de los más pequeños. Cuenta con un guión no muy novedoso, pero lo suficientemente funcional, coescrito por varios autores, entre ellos su colaborador habitual Christopher McQuarrie.

Cuenta con un eficaz reparto encabezado por el joven en alza Nicholas Hoult, el chico de Un niño grande, que triunfa con títulos como Memorias de un zombie adolescente y X-Men: Primera Generación. Tanto él como su partenaire, la poco conocida Eleanor Tomlinson (Alicia en el País de las Maravillas), cumplen pero no emocionan. Por suerte están rodeados de secundarios más solventes, como Ewan McGregor (un heroico caballero de la corte), Ian McShane (el rey), Bill Nighy (que mediante captura de imagen ha dado vida al líder de los gigantes) y sobre todo el siempre sorprendente Stanley Tucci, un tanto sobreactuado pero que parece haberlo pasado bien interpretando al malvado de la función, el desleal Roderick.

Aunque tiene un ritmo lo suficientemente holgado, y ofrece la espectacularidad que se espera, a Jack el Caza Gigantes le falta algo de originalidad, que la distinga de las numerosas producciones similares con las que compite (se estrena casi a la vez que Oz, un mundo fantástico, de corte muy similar). Por otro lado, no se nota especialmente que Bryan Singer haya requerido para este film de un presupuesto gigantesco (se dice que sumando los gastos de promoción ha llegado a los 300 millones de dólares, difícilmente recuperables).

Crítica de la película "El chico del periódico"

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El chico del periódico
The Paperboy
EE.UU. | 107 min | Drama-Thriller

Dirección: Lee Daniels

Interpretes: Matthew McCounaghey, Zac Efron, Nicole Kidman, John Cusack, David Oyelowo, Scott Glenn, Ned Bellamy

Público apropiado: Adultos

Contenidos [de 0 a 4]: Acción 1, Amor 1, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 2, Violencia 2

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Una mujer negra es interrogada por un periodista acerca de los sucesos acontecidos en un pantanoso pueblecito de Florida, en torno al asesinato de un policía, y de la condena a muerte que aguarda a Van Wetter, el supuesto culpable. Una mujer, Charlotte, se ha enamorado del reo sólo a través de una relación epistolar. El periodista Ward Jansen, hijo del dueño de su periódico y que es de la zona, con ayuda de su colega negro Yardley, y la de su hermano Jack, que hace poco menos que de chico de los recados, prepara un reportaje que demuestra que nada es lo que parece.

Después de sorprender con la dura pero sólida Precious, se esperaba más de Lee Daniels y El chico del periódico, una tremenda decepción. La adaptación de la novela de Peter Dexter, coguionista junto a Daniels, sólo sirve para entregar una historia espesa y sórdida, con momentos simplemente delirantes, como el de Nicole Kidman meando sobre Zac Efron para mitigar el dolor de las picaduras de medusa.

Un thriller sin intriga es como un jardín sin flores, y aquí la supuesta trama conspiratoria que se ocultaría tras el crimen que justifica la historia no tiene demasiado interés. De modo que queda la típica historia de amor iniciática e imposible entre el jovenzuelo inexperto y la mujer madura de vuelta de todo, más la insólita y poco creíble entre la segunda y el acusado de asesinato. A esto se suman mentiras y secretos que tendrían su raíz en discriminaciones sexuales y raciales. Falta solidez a los personajes, pese a los esfuerzos de Nicole Kidman y compañía, y el desenlace parece ejecutado con desgana, como queriendo imprimir emoción a algo en lo que no se cree.

Crítica de la película "Amor y letras"

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Amor y letras
Liberal Arts
EE.UU. | 97 min | Comedia romántica

Dirección: Josh Radnor

Interpretes: Josh Radnor, Elizabeth Olsen, Zac Efron, Richard Jenkins, Allison Janney, Elizabeth Reaser, Kate Burton

Público apropiado: Jóvenes

Contenidos [de 0 a 4]: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0

Jesse Fisher trabaja en el departamento de admisión de alumnos de una universidad neoyorquina. No es la ocupación con la que había soñado, y sus mejores amigos siguen siendo los libros, con cuya lectura disfruta sobremanera. Un día le llama Peter Hoberg, profesor de su antigua universidad, pidiéndole que acuda al homenaje que le van a brindar con motivo de su jubilación. Acepta encantado pues era uno de sus profesores favoritos. Y durante su estancia conoce a Zibby, una joven estudiante, muy madura para sus 19 años, con la que establece una conexión muy especial, que continuará tras su marcha a través de una relación epistolar. ¿Se pueden salvar los 16 años que les separan y convertir aquello en amor?

Después de la grata sorpresa que supuso el debut como director y guionista del actor Josh Radnor con Happythankyoumoreplease, el cineasta reincide asumiendo ese triple papel en Amor y letras, una magnífica película de personajes, que habla sobre la ubicación de cada uno en el mundo, y la ayuda que puede suponer a tal fin el cultivo de la literatura y, en general, de las artes liberales a que alude el título original. Ello evitando la tentación de la pedantería, riéndose de los aires de superioridad ante los best-sellers que sería obligado despreciar.

El profesor a punto de jubilarse (Richard Jenkins), la profesora cínica y sabelotodo (Allison Janney), la librera que lo dice todo con una mirada (Elizabeth Reaser), el “bufón” de cuya real existencia casi dudamos (Zac Efron), el joven depresivo aspirante a actor (John Magaro) y, por supuesto, la joven madura y responsable pese a su edad, que ha descubierto la música clásica (Elizabeth Olsen), y el treintañero que conduce la historia, amante de la literatura, desencantado con la vida que lleva y dubitativo por sus nuevas palpitaciones amorosas (Josh Radnor), son tipos muy bien perfilados –¡qué gran reparto!– e insertados en una historia que funciona a la perfección, la maquinaria narrativa está perfectamente engrasada.

Amor y letras invita a descubrir a las personas, a saber mirar a la gran ciudad y sus habitantes cuando uno deambula por las calles con nuevos ojos, a detectar las necesidades de quien tienes al lado y a estar disponible, actitudes tan humanas y que resulta necesario reivindicar. La atracción romántica se trata con cierta hondura, arriesga y acierta Radnor al no tomar los caminos más fáciles, los conflictos de este modo están bien elaborados y presentan los matices que otorgan credibilidad al conjunto. El equilibrio entre humor y drama está medido y servido con enorme inteligencia, y se invita a pensar en la educación que dan los otros, y la que uno debe procurarse personalmente, poniéndose deberes para el cultivo del espíritu.

Crítica de la película "Anna Karenina"

*****
Anna Karenina
Anna Karenina
Reino Unido | 129 min | Drama

Dirección: Joe Wright

Interpretes: Keira Knightley, Jude Law, Aaron Taylor-Johnson, Matthew Macfadyen, Kelly Macdonald, Olivia Williams, Alicia Vikander

Público apropiado: Jóvenes-adultos

Contenidos [de 0 a 4]: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 1, Violencia 1

Original adaptación de la obra de Lev Tolstoi, repetidamente llevada a las pantallas, aunque pervive en la memoria cinéfila la versión con Greta Garbo de 1935. La puesta en escena de Joe Wright (Orgullo y prejuicio, Expiación, pruebas harto elocuentes de su amor por la literatura) parte de considerar la vida como teatro donde todos desempeñan un papel. Y subraya la idea de representación, moviendo a los personajes de escenarios y bambalinas a localizaciones naturalistas. El planteamiento, lejos de sacar de la historia, funciona, con escenas tan asombrosas como la carrera de caballos.

El sólido guión del dramaturgo Tom Stoppard sigue en la Rusia del siglo XIX la aventura adúltera de Anna Karenina con el conde Vronsky: su matrimonio se ha vuelto anodino, y los estándares morales que exigía a su infiel hermano son puestos a prueba en su propia piel. Fiel a Tolstoi, ofrece una mirada compleja y nada complaciente de Anna y alrededores, donde la conciencia tiene un espacio, los deberes ya asumidos no se pueden ignorar. El perdón, la comprensión, el deseo, los remordimientos, el saberse en la presencia de Dios, forman parte de un film con reparto espléndido y maravillosa recreación de la época.

Crítica de la película "Las flores de la guerra"

*****
Las flores de la guerra
Jin líng shí san chai
China, Hong Kong | 146 min | Bélico-Drama

Dirección: Zhang Yimou 

Interpretes: Christian Bale, Ni Ni, Zhang Xinyi, Huang Tianyuan, Xiting Han, Zhang Doudou, Tong Dawei Tong

Público apropiado: Jóvenes-adultos

Contenidos [de 0 a 4]: Acción 3, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 2, Violencia 2

Nanking, 1937. Los japoneses cometen tropelías sin fin en su invasión de China. John, un pícaro americano, se refugia en un internado anejo a la catedral católica, donde sólo queda una docena de jovencitas más el chico secretario del fallecido sacerdote. Se suma además un grupo de prostitutas, ocultas en un sótano. Ante el intento de violación de las chicas, John finge ser cura, pero ese “muro de defensa” podría ser demasiado débil.

Aunque dura en la violencia sexual, emociona esta cinta del chino Zhang Yimou. A partir de la novela de Geling Yan, sorprende la humanidad de la historia y los dilemas morales de unos personajes que parecen guiados por principios evangélicos, “las prostitutas os precederán en el reino de los cielos”, o “si no os hacéis como niños...”.

El film cuenta con buenos personajes para un gran reparto, Christian Bale y un puñado de desconocidos. El principal defecto, que se carga la mano sin matices contra los nipones. Impresiona la factura visual de quien se ocupara de la inauguración y clausura de la Olimpiada de Pekín.

Critica de la película "Dando la nota"

*****
Dando la nota
Pitch Perfect
EE.UU. | 112 min | Comedia musical

Director: Jason Moore
Intérpretes: Anna Kendrick, Skylar Astin, Ben Platt, Brittany Snow, Anna Camp, Rebel Wilson, Alexis Knapp, Ester Dean
 

Público apropiado: Jóvenes
Contenidos [de 0 a 4]: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0

Beca es una jovencita recién ingresada en la universidad, aunque su deseo es dedicarse a la música. Impelida por su padre para que tenga un poco de vida social, se suma sin demasiadas ganas a un grupo de chicas que cantan a capella de tipología variada, desde las chicas cañón a la inevitable gorda, una afroamericana o la "lesbi" que exigen los tiempos que corren. La gran meta es, por supuesto, ganar la gran final, y superar a los rivales masculinos.

La referencia ineludible de esta previsible película de Jason Moore es la serie televisiva Glee. Pero no es Glee, le falta audacia y le sobran tópicos. Tiene ideas graciosas como la de ofrecer cantada a capella la fanfarria de la cortinilla del estudio Universal al arrancar la película. Pero fuera de canciones y coreografías agradables, tenemos ocurrencias nefastas como las reiterada vomitona. Tampoco funcionan mucho mejor los tópicos problemas de las chicas, las rivalidades y el romance de rigor. Ni siquiera la simpática Anna Hendrick, protagonista, salva la función.

Crítica de la película "El gran milagro"

*****
El gran milagro
El gran milagro
México | 70 min. | Animación

Dirección: Bruce Morris

Público apropiado: Todos
Contenidos: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0



Una anciana no da señales de vida, no abre la puerta de su habitación, que permanece cerrada con llave. Un conductor de autobús recibe una mala noticia: el agravamiento del cáncer de su hijo. Una joven viuda se siente abrumada y a menudo pierde la paciencia ante su hijo adolescente. En estas circunstancias, los atribulados personajes acuden a una Iglesia para asistir a la Santa Misa y, mientras, se encuentran con unos jóvenes simpáticos que les aportan palabras de esperanza. Son sus ángeles de la guarda.

El gran Milagro es una lección de teología católica, una tierna y a la vez honda catequesis en dibujos animados, destinada sin duda a los más pequeños, pero que los adultos –sobre todo si son católicos– sabrán apreciar y aprovechar enormemente. A hilo de la celebración de la Santa Misa, el film nos va narrando breves episodios que implican a los tres personajes principales y a algunos otros asistentes. Especialmente audaz y efectiva es la aparición de los demonios que intentan evitar que los fieles reciban el sacramento de la confesión, así como las peticiones de los hombres llevados por los ángeles hasta Dios, el modo en que se muestra el sacrificio de la Cruz en la consagración, la intercesión poderosísima de la Virgen María o el “rescate” de las almas de purgatorio.

El director de este film mexicano, Bruce Morris, que ha trabajado en el departamento artístico de La sirenita o Jack el Cazagigantes, entrega una película fervorosamente religiosa, apologética hasta el extremo, para hacer ver el milagro cotidiano que se opera en cada celebración eucarística de la Iglesia Católica. Todos los detalles del guión de Luis de Velasco están cuidados al máximo teológicamente y se inspiran en las revelaciones de algunos místicos que han contado sus testimonios y sus visiones. Este enfoque didáctico y apostólico impregna cada diálogo de El gran Milagro, en donde la sutilidad o la metáfora no se contemplan, porque lo que interesa es explicar claramente el significado de la Misa, el “gran milagro” del título. Esto hace que el resultado sea en ocasiones un poco empalagoso, excesivamente sentimental, aunque también emocionantemente explícito.

Por contra, es una pena que en pro del guión se haya descuidado tanto la calidad de los dibujos, toscos y tristones, con fondos estáticos y gestos humanos poco imaginativos, muy por debajo de lo que estila actualmente en materia de animación. Está claro que en un film de estas características el atractivo de los dibujos no es lo más importante, pero hubiera sido un acierto destinar un mayor presupuesto al aspecto visual. De este modo, fondo y forma estarían más equilibrados, y el público recibiría con mayor eficacia el mensaje profundamente cristiano y sobrenatural que narra la historia.

Crítica de la película "En la niebla"

*****
En la niebla
V Tumane
Rusia | 112 min | Drama

Director: Sergei Loznitsa
Intérpretes: Vladimir Svirskly, Vladislav Abashin, Sergei Kolesov, Vlad Ivanov, Nikita Peremotovs.

Público apropiado: Jóvenes-adultos.
Contenidos [de 0 a 4]: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1

Adaptación de la novela del escritor y defensor de los derechos humanos bielorruso Vasily Bykov, experto en obras sobre la II Guerra Mundial, en la que él mismo se vio obligado a participar. Dirige el ruso Sergei Loznitsa, hasta ahora dedicado casi en exclusiva al documental.

La acción se desarrolla en 1942, cuando la antigua Unión Soviética sufre la invasión de las tropas alemanas. Varios miembros de la resistencia bielorrusa son ejecutados públicamente, pero los nazis han decidido poner en libertad a Sushenya, un humilde trabajador del ferrocarril, que les acompañaba. Éste vuelve a casa con su familia, pero en la zona sospechan que ha sobrevivido por haber colaborado con sus captores.

Arranca con cierta fuerza, y tiene interés su tratamiento de las consecuencias de la sinrazón bélica en la sociedad. El poco experimentado en cine Vladimir Svirskiy encabeza un reparto de actores rusos poco conocidos pero bastante solventes. Pero pronto, la acción se estanca, y el metraje, que excede las dos horas, acaba siendo excesivo. Resulta incluso exagerado que ganara el Premio de la FIPRESCI, en la edición de 2012 del Festival de Cine de Cannes.